Christmas piece

Kyrie of the Mass of Midnight

by

Marc-Antoine Charpentier

conductor: Yen-hsiang Nieh

annual concert at Taipei Zhongshan Hall

Edinburgh Military Tattoo

The Edinburgh Military Tattoo is a great international gathering. Every year, more than 100 million people around the world watch the Tattoo on TV … more than 11 million people from over 100 countries have experienced the Tattoo live at Edinburgh Castle … and more than 40,000 performers from over 40 countries have taken part.
The Tattoo, timeless but ever changing, is one of the great entertainments on the world stage today.
Now, located in the shadow of Edinburgh Castle, at the top of the Royal Mile in a 150-year old Victorian Reservoir, is the Scottish Capital’s latest free to access visitor attraction – Spirit of the Tattoo – the story of this enduring entertainment experience.

website: http://www.edinburgh-tattoo.co.uk/

Opening of the 1998 Military Tattoo

A great show by the New Zealand military Band ( 2006 Tattoo )

With a great sense of humour.. and the famous Haka !

The Top Secret Drum Corp of Switzerland ( 2006 Tattoo)

The US "Old Guard"

Letter'a Mamma

Des chanteurs corses en visite au Dôme des Invalides ( rendaient-ils visite à l'Empereur ? ) exécutent un paghjella

Mamma risponde n'un possu a le vostre dulente chjame

Troppu miserie aghju adossu e mi si rode la fame

So prigiuneru languente in l'aria prussia a punente

Venisse una rundinella ch'eo la mandi messagera

O venga puru una stella a purta la mio preghera

Le mio pene e lu mi amore versu voi mamma d'amore

V'abracciu per lu penseru vi mandu sti versi soli

Dicendu so prigiuneru chi tuttu que vi cunsoli

Mamma la vostra tristezza a me da tant'amarezza

www.chanteurscorses.com

Pieta by Bellini

Giovanni Bellini (1426-1516) was a painter from Venice and can be considered as the founder of the Venetian school of painting. Under his influence Venice became a center of Renaissance art that rivaled Florence and Rome. He brought to painting a new degree of realism, a new wealth of subject-matter, and a new sensuousness in form and color. This made him become one of the early masters in the techniques of oil painting. Albrecht Durer himself recognized that "he is the best painter of them all."

His pictures combine a severe and rigid style with a depth of religious feeling and gentle humanity, as the following pictures show. It is a pieta painted in 1460

One of the artist's most complete and programmatical figurative works. On the parapet on which Christ is held by the Madonna and St. John is the inscription:

HAEC FERE QUUM GEMITUS TURGENTIA LUMINA PROMANT: BELLINI POTERAT FLERE IOANNIS OPUS (When these swelling eyes evoke groans, this work of Giovanni Bellini could shed tears).

This is a fragment of a hymn from the first book of Propertius's "Elegies", whose presence at the base of the painting affirms the artist's religious education.
The Pietà is rightly considered one of the most moving paintings in the history of art. Deep feeling is expressed throughout, from the landscape that recalls Flemish antecedents to the lucid architectonic composition of the group and the abstract geometry of their movements, deriving from Piero della Francesca. A passionate feeling that is not so much religious as human and psychological pervades the actors in the drama. The rendering of grief has here its most universal expression and, at the same time, its most private and conscious dimension. The mother's pathetic gesture is reflected in St John's turning away. The construction of the work shows careful thought. The figures, borrowed from popular imagery, are grouped in the foreground against an infinite horizon. The pentagonal arm of Christ ending in a closed fist is that of a fallen but un vanquished athlete. The barely glimpsed landscape, with its road wandering up a height and its torrent coursing below, pulsates with earthly life.
The figures stand out against a leaden dreamlike sky. The painting retains a strong Paduan element that is evident in the contours, adjusting gestures and figures to the strong expressive requirements of the drama. The silent exchange of emotions in the faces is reflected in the masterly play of the hands. The landscape behind them, empty and metallic in the cold, shining greys of the painful dawn of rebirth, accentuates the sense of the scene's anguish. Both the Donatello of the altar of St Anthony of Padua and, once again, Mantegna and the Flemish masters are the influences which spurred Bellini along the path of a sad and bitter pathos.

(From Web gallery of art)

Versailles

Back in 1623, Louis XIII - father of Louis XIV - built a 'hunting lodge, a little gentleman's chateau' of brick, stone, and slate at Versailles. The king liked it so much that he soon had it enlarged by his 'royal engineer and architect', Philibert Le Roy (this early chateau survives in the buildings that flank the Marble Courtyard). Then from 1661 to 1668 the young Louis XIV, known as the Roi-Soleil (Sun-King), had his own architect, Louis Le Vau, embellish the residence. Yet this little house of cards', as the memorialist Duc de Saint-Simon called it, remained too small. Extensions were deemed necessary.

Le Vau was once again charged with carrying out the work. From 1668 to 1670 he built the 'envelope', which Saint-Simon severely criticized for contrasting with the old chateau: 'the beautiful and the ugly, the vast and the restricted, were stitched together'. Indeed, Le Vau's 'envelope' entailed wrapping the old chateau in a second building whose uniformly white stone facades served as a fine garden setting. Work on this building, whose central terrace was inspired by Italian baroque villas, was taken up by François d'Orbay on Le Vau's death in 1670. It houses the State Apartments.

In May 6, 1682, Versailles became the official residence of the Court of France, supplanting the palaces at the Louvre and Saint-Germain-en-Laye. From 1678 to 1684, meanwhile, the terrace of the new chateau was transformed into the Hall of Mirrors, symbolizing the power of the absolute monarch. Feverish building activity then gave birth to the North and South Wings, the Orangery, Stables, and Grand Lodgings; the vast construction site was headed by royal architect Jules Hardouin-Mansart. The last major feature built during the reign of Louis XIV, the Chapel Royal, was completed in 1710 by Robert de Cotte.

Toward the end of the reign of Louis XV, around 1770, Jacques-Ange Gabriel built the Opera and began reworking all the facades on the chateau's town side. Only the right wing, which threatened to crumble, was executed. It strictly obeyed the rules of French classical architecture, as seen in its colonnaded pavilion. Inside, the grand staircase known as Grand Degré was begun in 1772, but only recently completed in 1985. A symmetrical pavilion on the other side of the courtyard, planned by Napoleon Ier, was finally erected in 1820.

The following video shows some views of the Chateau. The music is from Jean-Baptiste Lully (1632-1687): Idylle sur la paix.

Video by marcusrozenperk on Youtube.com

Cluny et les chapiteaux des tons

Les chapiteaux du chœur de l'abbatiale de Cluny III ont sans doute été sculptés au début des années 1090. Deux de ces chapiteaux représentent les huit modes musicaux grégoriens et portent sur chacune de leur face une figure sculptée et une inscription.

The story of music at Cluny was told visually with compelling beauty in two sculptured capitals that survive from the apse of Hugh's great church. In the sanctuary, the architectural climax of the whole edifice, was a series of columns grouped in a semicircle around the high altar, and the capitals of these pillars constituted the apogee of late 11th-century sculptural skill. Here, capital by capital, were to be seen symbolic expressions of the highest ideals of the monk's life. One capital, for example, presented on its four faces the theological virtues; another, the cardinal virtues. On a third were pictured the cycles and labors of the monk's year in terms of the four seasons; and his hopes for the hereafter were portrayed by the four rivers and trees of Paradise. Finally, his praise for the Creator was expressed in a double quaternity with figures to symbolize the eight tones of sacred psalmody. This inclusion of music in the sacred precinct, next to the symbols of the highest human virtues and heavenly beauties, was further evidence of the high esteem in which the tonal art was held by the monks of Cluny.

Les 4 premiers tons

Le premier ton est représenté par un jeune homme jouant du luth. Son personnage, comme tous ceux du septième chapiteau, sont entourés d'une mandorle, le long de laquelle court un texte, en latin le "titulus".
Ici , le texte dit : "Hic tonus orditur modulamina musica primus - Ce premier ton ordonne les harmonies musicales."

On the first of the eight faces of these twin capitals is inscribed: "This tone is the first in the order of musical intonations," and the figure is that of a solemn-faced youth playing on a lute. Here the symbolism of the stringed instrument stems from the belief in the power of music to banish evil, as David had cast out Saul's evil spirit when he played to him.

Le deuxième ton est illustré par une femme qui danse, rythmant la musique à l'aide de petites cymbales, attachées ensemble par un cordon. Le texte dit : "Subsequor ptongus numero vel lege secundus - ensuite vient un son qui est le second en nombre ou selon la loi."

The second tone is represented by the figure of a young woman dancing and beating a small drum, the inscription reading, "There follows the tone which by number and law is second." Such percussion instruments are known to have been used to accompany medieval processions on joyful feast days in the manner described in the 68th Psalm: "The singers went before, the players on instruments followed after; among them were damsels playing with timbrels."

Le troisième ton est figuré par un homme jouant du psaltérion ou de la cithare. On peut lire, sur le pourtour de la mandorle : "Tertius impigit Christumque resurgerre pingit - le troisième met en avant et peint la résurrection du Christ" Le troisième ton rappelle donc, le troisième jour après la crucifixion, le jour de la Résurrection.

The next inscription says: "The third strikes, and represents the resurrection of Christ." The instrument here is of the lyre type with a sounding board added, which is one of the 11th- century forms of the psaltery, the legendary instrument with which David accompanied himself as he sang the psalms. This instrument with its gut strings stretched over the wooden frame roughly resembles a cross and was used as a symbolic reference to Christ stretched on the Cross for the redemption of the world.

Le quatrième ton est représenté par un jeune homme portant un tintinnabulum particulier, puisque sonnant le glas funéraire. Le texte dit : "Succedit quartus simulans in carmine planctus" - Vient ensuite le quatrième, qui par ses chants, imite les lamentations". Evocation probable de l'histoire de Lazare, qui ressuscite le quatrième jour, après de nombreuses lamentations de ses amis et de sa famille (Jean 11 : 1- 26 et 12 : 1-11).

The fourth figure is that of a young man playing a set of chime bells, and the accompanying inscription reads: "The fourth follows representing a lament in song." The Latin word planctus denotes a funeral dirge, and the practice of ringing bells at burials is pictured in the contemporary representation of the burial procession of Edward the Confessor from the Bayeux Tapestry where the figures accompanying the bier have small bells in their hands

Pathétique by L.v. Beethoven

This is the third movement of the Pathétique by Ludwig van Beethoven interpreted by Peter Carter, one of my young parishioners. Peter is 13 years old. He started to practice the piano at the age of 7. This performance was a recital played at Southern Keyboards in Atlanta, Georgia.

Magnificat for three voices

Marc-Antoine Charpentier

( 1643 -1704 )

« Je suis celui, qui né naguère, fut connu dans le siècle ; me voici, mort, nu et nul au sépulcre, poussière, cendres et nourriture pour les vers. J’ai assez vécu mais trop peu en regard de l’éternité [...]. J’étais musicien, considéré comme bon parmi les bons et ignare parmi les ignares. Et comme le nombre de ceux qui me méprisaient était beaucoup plus grand que le nombre de ceux qui me louaient, la musique me fut de peu d’honneur mais de grande charge ; et, de même qu’en naissant, je n’ai rien apporté en ce monde, en mourant, je n’ai rien emporté... ».

Ainsi se présentait Charpentier dans son étonnante pièce en latin intitulée Epitaphium Carpentarii dans laquelle il se met lui-même en scène : il imagine qu’il revient sur terre après sa mort, sous l’aspect d’une ombre, et se penche sur sa vie avec un curieux mélange d’humilité et d’amertume.
On peut dire que trois siècles plus tard, Charpentier a pris une sorte de revanche. Ainsi, aujourd’hui, il est le compositeur français de l’époque baroque le plus présent au disque. Depuis les années 1950, son œuvre monumentale qui compte plus de 550 numéros a été enregistrée pour plus de la moitié. Cette diffusion, tout à fait exceptionnelle, a permis de reconsidérer la place de Charpentier dans le paysage musical occidental. Pourtant, l’homme garde toujours son mystère et, malgré d’importantes études (notamment celles de Patricia M. Ranum), il est difficile de savoir exactement qui il était, comment il a vécu, quelle était la nature de ses relations avec ses contemporains, les musiciens et les autres. Seule, son épitaphe laisse percevoir les sentiments qui pouvaient être les siens à un moment de sa vie, probablement peu de temps avant son arrivée à la Sainte-Chapelle en 1698, c’est-à-dire après avoir réalisé l’essentiel de sa carrière et supporté maints tourments.

D'après Goldberg Magazine

“I am he who, born in another time, was known during the century; here I am, dead, naked and nobody, in the tomb, dust, cinders and food for the worms. I lived enough but too little in relation to eternity [...]. I was a musician, considered good among the good and ignorant among the ignorant. And as the number of those who despised me was much larger than the number of those who praised me, music was of little honour to me but a great burden; and, as when I was born, I brought nothing into this world, in dying, I took nothing with me...”
Thus does Charpentier introduce himself in his astonishing piece in Latin entitled Epitaphium Carpentarii, in which he himself appears on the stage: he imagines that he returns to earth after his death, in the guise of a shade, and looks over his life with a curious mixture of humility and bitterness.
One might say that three centuries later, Charpentier has taken a kind of revenge. Today, he is the most recorded French composer of the baroque period on disc. Since the 1950s, of his monumental output, which includes more than 550 works, more than half has been recorded. This circulation, quite exceptional, has allowed a reconsideration of Charpentier’s place within the western musical landscape. However, the man still retains his mystery and, in spite of some important studies (notably those by Patricia M. Ranum), it is difficult to know exactly who he was, how he lived, what was the nature of his relationships with his contemporaries, musicians and others. Only his epitaph allows one to perceive the feelings which could have been his at a particular time of his life, probably shortly after his arrival at the Sainte-Chapelle in 1698, that is, after having completed the greater part of his career and suffered many torments.

From the Goldberg Magazine

Live Recording of Marc-Antoine Charpentier's Magnificat for 3 voices.

Jay Carter, countertenor

Daniel Mutlu, tenor

Wesley Chinn, Bass

Missa Pange Lingua de Josquin Deprez

« Missa est cantus magnus cui verba Kyrie, et in terra, Patrem, Sanctus et Agnus, et interdum caeteae partes a pluribus canendae supponuntur, quae ab aliis officium dicitur.” ( Johannes Tinctoris, in Terminorum Musicae Diffinitorum ; 1475 )

"La Messe est un grand chant où l’on chante à plusieurs voix les textes Kyrie, et in terra, Patrem, Sanctus et Agnus, et parfois d’autres parties que certains nomment Office."

"The Mass is a great chant in which the words of the Kyrie, et in terra, Patrem, Sanctus and Agnus, and sometimes other parts are sung in several voices. Some call it the Office."

Josquin Desprez ( 1440-1521 )

En un siècle, la messe polyphonique est devenue le genre musical majeur, imposé à la suite de Machaut par plusieurs à la suite de Machaut par plusieurs générations de grands polyphonistes – Dufay, Ockeghem, Obrecht, Busnois, Josquin Desprez. Le Cantus Magnus rest avant tout une musique liturgique, destinée à la célébration du rite majeure qu’est la messe.
La Missa Pange Lingua de Josquin Desprez est construite sur l’hymne Pange Lingua ( 3e ton ) de la Fête du Corpus Christi et est manifestement destinée à la messe de la Fête-Dieu. La mélodie de cette hymne sert de matériau – ou de ‘sujet’ – à la tonalité de l’ordinaire.

In a single century the polyphonic Mass had become the major musical form, imposed, after Machaut, by several generations of great polyphonists – Dufay, Ockeghem, Obrecht, Busnois, Josquin Desprez… We should not forget that the Cantus Magnus is above all, a liturgical music destined for the celebration of the major ritual of the Mass.
The Mass Pange Lingua of Josquin Desprez is built on the hymn Pange Lingua ( 3rd tone ) for the feast of Corpus Christi. The tune of this hymn serves as the material, or ‘subject’, throughout the ordinary.

D'après Jean-Pierre Ouvrard

Ecouter le Kyrie de cette messe

Listen to the Kyrie of this Mass

http://father.demets.googlepages.com/02_Kyriepangelingua.mp3

Interprété par l'Ensemble Clément Janequin

Patrimoine et mémoire : la musique militaire

Article publié sur le site " Chemins de mémoire"

De tout temps, les forces armées ont utilisé la musique comme expression vivante répondant à un besoin précis, qu'il soit d'utilité ou d'agrément. Trait d'union dans les relations avec la nation, l'art musical militaire reste l'un des témoins de la culture et du patrimoine militaire, avec le chant ou les orchestres. Cette rétrospective explique son rôle et sa raison d'être.

En 1848, Georges Kastner, auteur d'un Manuel général de musique militaire à l'usage des armées françaises, écrit : «La musique est le plus ancien, le plus universel de tous les arts». Elle occupe une place privilégiée dans l'histoire des peuples. Éveillant en l'homme d'agréables sensations, elle a aussi le pouvoir de développer en lui les affections les plus pures, les plus durables, les plus nobles et parfois les plus sublimes.Dans les armées, cet art a également pour mission d'inciter le soldat à la bravoure, d'inspirer l'enthousiasme en substituant chez le combattant l'exaltation et l'intrépidité à la crainte du péril de la mort. Mais la musique n'a pas pour unique dessein d'enflammer l'ardeur des soldats et de les aider à vaincre : dans la manoeuvre et l'exercice, au quartier, c'est elle qui réglait le pas, déterminait les évolutions, les actions, transmettait les ordres et harmonisait la vie quotidienne. Dans la marche, elle soutenait le soldat, soulageait ses labeurs et le reposait de ses fatigues. Loin du champ de bataille ou du quartier, elle a été et demeure un lien entre les communautés civiles et militaires, une vitrine des forces armées, et, bien sûr, une source de divertissement.

La nouba du 1er RTM lors du défilé de la Victoire en 1945, Paris. Source : 1er R.T.

A quelque époque et dans quelque contrée que ce soit, la musique est présente au sein des armées, s'exprimant par des cris, des mélopées, bruits, instruments discordants dans certaines civilisations ; dans d'autres, devenant réglée, pleine d'harmonie, de charme ou de solennité, et avec les rythmes adaptés. Dans le domaine militaire, l'antiquité et le début de l'ère chrétienne ont utilisé la musique unique ment au combat ou comme moyen de transmission. Les instruments appartenaient alors essentiellement à trois familles: les flûtes qui étaient aussi syrinx ou flûte de pan ; les lyres ou cithares, chélys et phorminx ; les trompettes, instruments imparfaits et difficiles à jouer. À ces trois familles venaient s'adjoindre les instruments employés pour le rythme ou pour faire du bruit.Progressivement, au sein du royaume de France, au Moyen Âge et surtout à l'époque de la Renaissance, la trompette devient l'instrument militaire privilégié et le tambour s'impose dans l'ensemble des troupes d'infanterie alors que les timbales restent l'apanage de la cavalerie.Les vaisseaux du royaume embarquent des musiciens; ils permettent au commandant d'affirmer son prestige. Les tambours, les trompettes puis les fifres sont les instruments par excellence utilisés sur les vaisseaux du royaume.

Nouba du 4e régiment de Tirailleurs tunisiens, aquarelle de A. Brenet. Source : 1er R.T.

On doit à Philidor l'Aîné, musicien de la cour, le soin d'avoir, en 1705, réalisé un recueil, certainement le premier du genre, regroupant les marches et batteries de tambours, les airs de fifres et de hautbois, les sonneries de trompettes et les marches pour trompettes et timbales, les appels et fanfares de trompes... De même s'instaure la tradition d'écrire des airs adaptés aux circonstances, aux faits marquants de la vie militaire. De ce mouvement datent certaines marches célèbres comme La marche de Turenne, Auprès de ma blonde, Malbrough s'en va t-en guerre. Au fil des siècles, vont se succéder de multiples textes destinés à fixer les effectifs de musiciens, leurs tenues et équipements et la nomenclature instrumentale des formations musicales au sein des armées. L'orchestre militaire se constitue alors et se différencie, peu à peu, du groupe des instruments utilisés pour les signaux.La Marine, pour permettre aux marins de se divertir et pour garantir son prestige, fait appel à des instruments d'agrément comme les clarinettes, bassons, hautbois, cors, etc.. et utilise également la ressource des musiciens régionaux tels les joueurs de biniou sur les navires armés en Bretagne ou de flûte et tambourin sur les navires armés sur les côtes de Provence. Cet emploi de régionaux se perpétue encore de nos jours avec l'emploi de « bagads » et de «tambourinaires».Les airs de musique militaire, les instruments et leur emploi sont en constante évolution. Ainsi va naître le Pas redoublé. La construction du Pas redoublé prend modèle sur celle du menuet, danse française à l'honneur aux XVIIe et XVIIIe siècles. Il comprend schématiquement deux pièces distinctes qui s'enchaînent sans interruption et dont la première est reprise intégralement à la fin de la seconde appelée trio.Le répertoire des batteries et des sonneries de l'infanterie et de la cavalerie sera renouvelé et codifié à plusieurs reprises. David Buhl, trompette de la Garde consulaire, compose en 1806 de nouvelles sonneries ; il les révise en 1825 et son travail est encore en partie utilisé de nos jours. Les instruments dits tactiques ou d'ordonnance -tambours, trompettes, fifres- sont associés aux instruments de l'orchestre militaire d'harmonie et progressivement la structure des musiques militaires actuelles se met en place.À partir de 1822, les régiments sont dotés d'un nouvel instrument destiné à transmettre les signaux: le clairon, qui remplace alors le cornet et le fifre ; en 1831, sa place devient prépondérante. Une circulaire de 1827 autorise la création de deux musiques de la Marine, l'une à Brest, l'autre à Toulon. Les grands rassemblements de musiques militaires, déjà à l'honneur au début du XIXe siècle, sont à nouveau à l'ordre du jour après la Révolution de Juillet.

Batterie fanfare de la Garde républicaine. Source : SGA/DMPA - JP le Padellec

De l'armée professionnelle à l'armée de conscription

En 1840, un rassemblement de musiciens est mis à la disposition d'un compositeur de génie pour la création d'une oeuvre colossale destinée à célébrer le dixième anniversaire de la Révolution de 1830. Ce compositeur, Hector Berlioz, écrit à cette intention la Symphonie funèbre et triomphale. Elle est exécutée par plusieurs musiques militaires et orchestres symphoniques, des choeurs et une centaine de tambours.La loi du 27 juillet 1872 provoque un bouleversement en substituant au principe d'une armée professionnelle celui d'une armée de conscription avec le service militaire obligatoire et personnel. Les musiques et fanfares sont reconstituées. À la population qui tournait le regard vers la «ligne bleue des Vosges», les musiciens en uniforme jouaient Vous n'aurez pas l'Alsace et la Lorraine, Paris Strasbourg, La marche lorraine, Sambre et Meuse...La mobilisation, décrétée le 1er août 1914, rappelle musiciens, tambours et clairons de la réserve ou de la territoriale. Les directives prévoient, d'une part, pour les musiciens une double mission d'exaltation du moral des combattants et d'aide au service de santé comme brancardier, secouriste ou ambulancier ; d'autre part, pour les tambours et clairons une mission de transmission sonore des ordres.

La musique militaire contribue au patriotisme populaire

Après l'armistice, les formations musicales retrouvent l'audience qu'elles avaient en 1872. Prises d'armes, cérémonies patriotiques, concerts, défilés, retraites aux flambeaux, rassemblements de musiques militaires, tournées en France et à l'étranger... vont témoigner du crédit et de la confiance accordés aux musiques militaires durant tout le XXe siècle.La période de l'entre-deux guerres est ponctuée de nombreuses modifications au sein des armées. Les régiments de chars sont créés et pourvus d'une fanfare. Les régiments de transmissions se voient dotés d'une musique, les fanfares du génie et de l'artillerie sont supprimées puis rétablies.

Une école de formation des sous-chefs de musique voit le jour en 1930 à Courbevoie ; la musique de l'air est créée à Paris en 1936. Les fanfares de zouaves et de tirailleurs nord-africains, défilant en tenue orientale, se multiplient avec leur nouba et se dotent d'un animal mascotte : le bélier ou le mouton. En dépit de la progression de l'antimilitarisme, du pacifisme, du développement de la musique enregistrée et de la radio, la place des musiques militaires reste inscrite dans l'expression du patriotisme populaire.De 1946 aux années 1950, l'audience des formations militaires va diminuant auprès de la population meurtrie, qui assimile leur musique au militarisme dur et au bellicisme. Les nombreuses modifications concernant les armées, après les conflits d'Indochine et d'Algérie, conduisent à reconsidérer leur rôle. Les unités militaires sortent des casernes et avec leurs musiques ou fanfares se rapprochent de la population : les cérémonies, les présentations des jeunes recrues aux emblèmes des unités, les concerts et aubades se multiplient dans le milieu civil. Cette action est toujours menée aujourd'hui.

Pour tout renseignementContacter le conservatoire militaire de musique militaire de l'armée de terre (CMMAT) et son responsable patrimoine au 01 39 67 20 62.
Source : François-Xavier Bailleul, Chef de musique des armées, Directeur du conservatoire militaire de musique de l'armée de terre. Revue "Les Chemins de la Mémoire n° 163" - Juillet-Août 2006 pour MINDEF/SGA/DMPA

Nous partons cette fois-ci vers la Chine. L'erhu ( 二胡 )est un instrument chinois ancien. Le morceau joué est scène de printemps de Jiang-nan!

Ce morceau est aussi admirable, mais je n'ai pas reussi a en traduire le titre !

Ascension

Ascensione di Cristo

Il s’agit d’une scultpure réalisée probablement en 1510 par Andrea della Robbia (1435 -1525). Andrea, est le neveu de Luca della Robbia, dont il a hérité du style et de la technique. L’œuvre est visible au Musée National du Bargello à Florence.

Notons que le Musée du Louvre possède un autre retable en terre cuite émaillée de l’Ascension réalisé par Andrea et Giovanni della Robbia. Ce retable est en attende d’une restauration.

A beautiful piece of Art !

When God Himself is the Artist....

Idoménée de Campra

André Campra, born in 1660 in Aix-en-Provence, was an organist and a composer. He was ordained a priest in 1678 and was appointed "Maitre de chapelle" in Toulon, in Arles, Toulouse and finally at Notre-Dame de Paris.

Antonia Banducci says that " many of his works include such italianate elements as the ariette, a da capo air characterized by elaborate vocal display, and the composer himself indicated that he sought to mix French 'délicatesse' and Italian 'vivacité'. Nevertheless, Campra's style was repeatedly praised by his contemporaries for its true and natural expression of a text or situation, an assessment that was the hallmark of 'le bon goût' in eighteen-century France."

The premiere of Idoménée - the fifth of Campra's eight tragédies lyriques - took place at the Opera of Paris in 1712. It depicts the tragedy of Idoménée, King of Crete, fated to sacrifice his son to fulfil a vow made to Neptune.

The opera is divided into a Prologue and five Acts. Here is the Scene III of the First Act.

Tous en choeur !

Un petit hommage a notre choeur polyphonique qui a du pain sur la planche pendant la Semaine Sainte. Je me suis permis une petite visite...sans trop les gener dans leur travail !

Thank you very much for the great job you are doing for the Glory of God!

Entrée du Christ à Jérusalem

Philippe de Champaigne

(1602-1674)

Pueri Hebraeorum portantes ramos olivarum obviaverunt Domino, clamentes et dicentes: Hosanna in excelsis!

Toile de circonstance en ce dimanche des Rameaux, réalisée entre 1630 et 1635, actuellement dans l'église royale Notre-Dame du Val-de-Grâce.

Philippe de Champaigne est, avec Nicolas Poussin, une figure incontournable de l'art baroque français. Membre fondateur de l'Académie Royale de Peinture et de Sculpure en 1648, il met son talent au service de l'Eglise et de l'Etat, travaillant pour Marie de Médicis, Louis XIII et Richelieu.

A Filetta

En octobre 1978, naissait le groupe A Filetta. A l'époque nous ne savions pas et d'ailleurs, nous ne savons toujours pas, s'il s'agissait du rêve d'une esquisse ou de l'esquisse d'un rêve. L'esquisse d'une demeure à jamais ouverte où pourraient venir trouver refuge, les âmes entremêlées, qui dans leur quête d'éternité, tissent et retissent les fils de ce vieux partage qu'est le chant.
Le rêve d'un navire sans pavillon, parti de nulle part sillonner l'ailleurs où des phares immémoriaux pourraient peut-être un jour lui dire : " c'est là, parmi vous, dans l'éphémère partagé que sont les étendues éternellement heureuses. "

Vingt ans aux côtés de tous ceux qui ont la conviction que la vie est de ces batailles à mener dont il ne faille sortir ni vainqueur ni vaincu, mais grandi.
Et, s'il fallait, au terme de ces quelques années que subsiste une empreinte et une seule, nous souhaiterions vraiment que ce soit celle de voyageurs dont la seule préoccupation était de ne rien vouloir altérer.
Il faut être ce que nous sommes et l'être pleinement et ne pas chercher ni à plaire, ni à complaire; il ne faut pas tricher avec cela.

Chanter c'est, aussi et peut-être surtout, dire tendrement des choses puissantes et puissamment des choses tendres.
Notre chant est de pierre et d'eau. Dans ses plis et replis, dans ses arcanes, il épouse les contours de l'âme de ce rocher tumultueux qui nous a engendrés.
Notre chant est un chant qui consacre la mémoire, il est aussi un chant qui prône l’ouverture, l’accès à l’autre. Surtout, il traduit le besoin profond de n’être que ce que nous sommes, mais à l’être pleinement, sans complexes, en authenticité et généreusement. Pas en essayant d’en faire un sanctuaire. Le sanctuaire, cela sent déjà la mort. "

( d'après Jean-Claude Casanova:

http://cguelfucci.free.fr/Html/afiletta.htm )

Nowadays, Corsican polyphonies are renowned worldwide… This is thanks to pioneers such as A Filetta.Born in Balagne in 1978 out of a passion for singing and folklore, the band is deeply rooted in the land of its origin, like the local fern from which it gets its name. Entirely vocal, their repertory illustrates the artistic journey of the band : sacred and profane hymns inherited from tradition as well as original songs. These are all witnesses to a dynamic culture that refuses to stay crystallised in its past.The band knows how to revive and share this difficult but magnificent art to which they hold the key. Their voices are mystifying and unique. Their gazes reveal a strong bond and a love for their island and for their public.
The power of their passion, of their generosity and of their great talent means that you don’t come out of their concerts unchanged.

I Impiccati di u Niolu

Rondeau des Indes galantes

Jean-Philippe RAMEAU

(1683 - 1764)

"La vraie musique est le langage du coeur. "

Les Indes galantes is an opéra-ballet consisting of a prologue and four acts. The première, including only the first three entrés, took place in Paris at the Académie Royale de Musique et Danse on August 23rd 1735.

Rondeau des Indes Galantes de Rameau interprété par Magali Léger et Laurent Naouri, les Musiciens du Louvres sous la direction de Marc Minkowski en version de concert.

Zima, Adario en duo

"Forêt paisibles,Jamais un vain désir ne trouble ici nos coeurs.S'ils sont sensibles,Fortune, ce n'est pas au prix de tes faveurs."

Choeur des sauvages

"Forêt paisibles,Jamais un vain désir ne trouble ici nos coeurs.S'ils sont sensibles,Fortune, ce n'est pas au prix de tes faveurs."

Zima, Adario

"Dans nos retraites, Grandeur, ne viens jamais offrir de tes faux attraits !

Ciel, tu les as faites pour l'innoncence et pour la paix. Jouissons dans nos asiles, jouissons des biens tranquilles !

Ah ! Peut-on être heureux,Quand on forme d'autres voeux ?"